Artistes

François Morellet, né le 30 avril 1926 à Cholet (Maine-et-Loire) et mort le 11 mai 2016 dans cette même ville, est un peintre, graveur et sculpteur français. Il est considéré comme l’un des acteurs majeurs de l’abstraction géométrique de la seconde moitié du xxe siècle et un précurseur du minimalisme. Il est également industriel de 1948 à 1975.

François Morellet, born April 30, 1926 in Cholet (Maine-et-Loire) and died May 11, 2016 in the same city, is a French painter, engraver and sculptor. He is considered one of the major players in geometric abstraction in the second half of the 20th century and a precursor of minimalism. He was also an industrialist from 1948 to 1975.

Lignes, volumes, couleurs, cinétisme, fluorescences, c’est ce qui m’attire dans les tableaux de Serty31. Les robots se prêtent à une géométrie anthropomorphique, les personnages n’apparaissent qu’avec la distance et changent selon l’angle de vue. Les lignes de fuite soulignent la vitesse et la force de ces êtres tout-puissants, divinités tutélaires du Japon d’après-guerre.
Serty31 a grandi à Paris dans le XIIIe arrondissement au milieu du quartier « chinois ». Influencé par les cultures asiatiques, il est fasciné par les mangas et les Transformers, Ulysse 31 et Les Chevaliers du Zodiaque. A 10 ans il rencontre le street art sur les palissades du Louvre et commence à voyager dans son quartier en photographiant les murs.
Dès l’adolescence il s’adonne aux graffitis pour s’exprimer. Un jour, il intègre un Transformer au coin d’une rue pour apaiser la violence de la ville.Comme ses fresques de rue, les portraits futuristes de Serty31 vibrent d’une énergie positive qui donne à la vie les couleurs de l’espoir.

LÉLIA MORDOCH

The new series of sculptures by Daniel Fiorda continues in many ways the themes that have infused his previous work. For the last several years, Fiorda has dealt with technology, obsolescence, with the trail of discarded tech that humanity leaves behind and what it says about us. The new work takes this thematic one step further. Here, concrete is both material and symbol. Each sculptural element is almost entirely made of reinforced concrete, cast in the shape of a miniature Brutalist building. These towers feature barely concealed found objects, almost fully engulfed by concrete, and yet still eerily discernible: industrial gears, old cameras and lenses, objects that evoke industrial and pre-digital eras. The overall sense is dystopian rather than apocalyptic. In Fiorda’s previous work, found objects were displayed as if unearthed from a bed of clay by a tacit anthropologist, perhaps decades into the future. A cell phone would be partially buried by dry soil and weathered by the passing of time. The underlying narrative was that of a future civilization unearthing the objects left by ours. Destruction or extinction were implied. In the new work, the obsolete technology is not found but rather engulfed by a new technology. Concrete, as a material and as a technology, has the capabilities to fully encase and envelope. In Fiorda’s new work, the concrete structures—towers, pseud-pyramids—exude authority and uniformity, and the appropriation of old technology into new structures suggests a historical and technological challenge right around the corner, mirroring the ones in our recent past: the digital age fully replacing the analog world, financial capitalism swallowing economies whole, etc. These are astounding sculptures, asymmetrical, with hidden planes and embedded objects. Concrete is worked into a wide variety of appearances; transfer of color and texture from other objects is apparent. These are pieces to examine closely, to walk around, and make connections between theme, material, and shape.

Sebastian Leder -Kremer

Duo formé par Paula Rivas (1976), artiste plasticienne formée à la sculpture en Argentine et en Italie, et Christian Wloch (1971), artiste plasticien formé aux arts visuels, cinéma, vidéo, multimédia et nouvelles technologies en Argentine. Les deux artistes travaillent ensemble depuis 2005 et ont parcouru un chemin d’expérimentation intégrant différentes techniques pour la création de chacune de ses œuvres, explorant de nouvelles géométries spatio-temporelles qui se matérialisent en œuvres d’art cinématographiques, lumineuses et artistiques. Expérimental inspiré par le visible et le visible. Cosmos invisible.

L’astronomie est l’une des grandes sources d’inspiration de Rivas & Wloch, à laquelle ils consacrent de nombreuses heures d’étude. L’idée de transcender la conception traditionnelle du temps et de l’espace est l’un des axes de recherche de ses œuvres à travers l’étude et la génération de nouvelles géométries dynamiques. Ses œuvres ont été exposées dans des centres culturels, des musées et des galeries en Amérique et en Europe, elles ont reçu différentes récompenses tout au long de sa carrière. l’histoire et font partie de grandes collections publiques et privées.

Duo formed by Paula Rivas (1976), visual artist trained in sculpture in Argentina and Italy, and Christian Wloch (1971), visual artist trained in visual arts, cinema, video, multimedia and new technologies in Argentina. The two artists have been working together since 2005 and have traveled a path of experimentation integrating different techniques for the creation of each of his works, exploring new spatio-temporal geometries that materialize into cinematic, luminous and artistic works of art. Experimental inspired by the visible and the visible. Unseen cosmos.

Astronomy is one of the great sources of inspiration for Rivas & Wloch, to which they devote many hours of study. The idea of ​​transcending the traditional conception of time and space is one of the research axes of his works through the study and generation of new dynamic geometries. His works have been exhibited in cultural centers, museums and galleries in America and Europe, they have received different awards throughout his career. history and are part of major public and private collections.

Il étudie à l’École Nationale des Beaux-Arts de Buenos Aires de 1950 à 1957 et y rencontre Demarco, Julio Le Parc et Francisco Sobrino. À partir de 1959, il réside et travaille à Paris. En 1960, il est l’un des cofondateurs du Centre de Recherches d’Art Visuel, puis du GRAV avec, Julio Le Parc, François Morellet, Francisco Sobrino, Joël Stein, Yvaral. Intéressé par l’analyse des phénomènes visuels, Garcia-Rossi introduit à partir de 1962 le mouvement réel et la lumière dans ses recherches et mène ses premières expériences de formes géométriques sur des écrans. Il développe en même temps des œuvres pouvant être manipulées par le spectateur (cylindres en rotation). Il entame une recherche continuelle sur le problème de l’instabilité avec la lumière et le mouvement, telles que les Boîtes à lumière instable avec couleurs et motifs à manipuler, et des structures lumière à couleurs changeantes.

À partir de 1966, il conduit ses premières expériences avec l’identification visuelle de l’écriture (Mouvement), qui le mènent vers un Abécédaire en mouvement (Portrait ambigu des membres du GRAV), puis à partir de 1969, à une recherche systématique d’un alphabet ambigu en essayant de donner à chaque lettre le mouvement que sa forme et sa signification ont en tant que lettre.

Born in 1929 in Buenos Aires, died in Paris in 2012. He attended the National School of Fine Arts in Buenos Aires from 1950, where he met Demarco, Le Parc and Sobrino and taught painting and drawing until 1958. In 1959 he moved to Paris where he made contact with the future member of G.R.A.V and took part in the MOTUS exhibition in Milan. In 1960 he was a co-founder of the Centre de Recherche d’Art Visuel, then of GRAV (Visual Art Research Group). Interested in the analysis of visual phenomena, he began including real movement and light in his work in 1962, producing his first “Light Boxes”.

In 1963 he began developing interactive objects such as his “rotating cylinders”. In 1966 he began experimenting with the visual identification of writing (movement). This led to his “moving alphabet” and, in 1969, to an ambiguous alphabet system. He returned to two-dimensional visual questions from 1972 to 1974. He continued to carry out analytical research on linguistic questions and the use of colour.

Francisco Sobrino commence à travailler le dessin et la sculpture en 1946 à l’École des arts et métiers de Madrid. Il part en 1949 pour l’Argentine où il suit les cours de l’École Nationale des Beaux-Arts de Buenos Aires, et où il rencontre Hugo Demarco, Horacio Garcia Rossi et Julio Le Parc. À partir de 1958, il commence ses recherches sur le mouvement en créant des œuvres bidimensionnelles en noir et blanc composées de carrés ou de cercles. Il arrive à Paris en 1959.

En 1960, il cofonde le Centre de Recherche d’Art Visuel, qui devient le GRAV – Groupe de Recherche d’Art Visuel en 1961 avec Julio Le Parc, François Morellet, Joël Stein, Yvaral et Garcia Rossi. Sobrino crée des reliefs en plexiglas blanc, noir et en couleurs à partir de formes plates superposées par interrelations, progressions, systématisation. Il crée la première œuvre en volumes en plexiglas transparent en quatre couleurs.

Francisco Sobrino was a Spanish artist and pioneer of both Op and Kinetic Art. His complex sculptures explore the limits of visual perception, challenging traditional notions of dynamics of form in art through movement and optical illusions. Many of Sobrino’s three-dimensional constructions move, and can be manipulated by the viewer. He also explored the effects of light, focusing on reflections, absorption qualities, transparency, and optical illusions created by shadows. “I wanted to create a kind of alphabet of elementary and impersonal forms, with which I could build sentences. I still have the same desire: to be clear.”

Born in 1932 in Guadalajara, Spain, he went on to study at the Escuela de Arte y Oficios in Madrid and the National School of Fine Arts in Buenos Aires before moving to Paris, where he began his career as an artist and spent much of his life. Sobrino was the subject of many solo exhibitions throughout his life, and his work is part of major museum collections such as the Tate Gallery in London, the Tel Aviv Museum, the Fondazione Peggy Guggenheim in Venice, and the Museum of Fine Arts, Boston. He died on May 11, 2014 in Paris, France at the age of 82.

Julio Le Parc est né en 1928 à Mendoza en Argentine. De 1943 à 1946, il suit les cours du soir à l’Ecole des Beaux Arts de Buenos Aires où il rencontre le groupe Art Concret et Lucio Fontana qui lui achète un dessin. Grâce à une bourse française, il arrive à Paris en 1958 et rend visite à Vasarely. Avec Garcia Rossi, Morellet, Sobrino, Stein et Yvaral, il fonde alors le GRAV, Groupe de Recherche d’Art Visuel (1960-1968). Depuis, il vit et travaille à Paris.

En prolongement de ses recherches sur la surface avec des formes géométriques et ordinations rigoureuses, Le Parc poursuit dès 1959 ses expériences avec le mouvement et la lumière. En 1963, il réalise son premier pénétrable dans le Labyrinthe du GRAV à la troisième Biennale de Paris. En 1966, sa première exposition personnelle a lieu à New York, puis il obtient le Grand Prix international de peinture à la Biennale de Venise. Le Parc expose à Paris à la galerie d’art cinétique Denise René. Sa première rétrospective a lieu en 1972 à la Kunsthalle de Düsseldorf. Puis expositions et rétrospectives s’enchaînent : à Madrid, Bilbao et Barcelone (1978), à Caracas (1981), à Mendoza et au Chili (1989), au MoMA de New York (1993), au Magasin de Grenoble avec le GRAV (1998), à la Fondation Daros de Zürich (2005), à la Albright-Knox Art Gallery de New York (2008), au Centre Pompidou de Paris qui consacre une salle au GRAV dans ses collections permanentes (2010)… jusqu’à sa participation à l’exposition “Suprasensorial: Experiments in Light, Color and Space” du 12 décembre 2010 au 27 février 2011 au MOCA de Los Angeles.

Julio Le Parc, was born in 1928 in Mendoza, Argentina. From 1943 to 1946 he attended the night courses at the School of Fine Arts in Buenos Aires where he met the Concrete Art group and Lucio Fontana who bought one of Le Parc’s drawings. Due to a French scholarship, the artist arrived in Paris in 1958 and visited Vasarely. Along with García Rossi, Morellet, Sobrino, Stein and Yvaral, he founded GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel, 1960-1968) and since then he lives and works in Paris.

In 1963, he made the first penetrable of Labrynth in conjunction with GRAV for the Third Paris Biennial. In 1966 he had his first solo exhibition in New York City and obtained the Great International Painting Award at the Venice Biennial. Le Parc exhibits his work in Paris, at the Kinetic Art Gallery Denise René. He held his first retrospective in 1972 at the Kunsthalle in Dusseldorf. Then he had successive exhibitions and retrospective shows in Madrid, Bilbao, Barcelona (1978), in Caracas (1981), in Mendoza and in Chile (1989), at the MoMA in New York (1993), at Magasin de Grenoble with GRAV (1998), at the Daros Latinamerica, in Zurich (2005), at the Albright-Knox Art Gallery in New York (2008), at the Pompidou Center in Paris where a whole exhibition room was consecrated to GRAV within the ingoing exhibition program of its collection (2010) through the artist’s participation in the exhibition “Suprasensorial: Experiments with Light, Color and Space” from December 12th, 2010 to February 27, 2011 which will be held at MOCA in Los Angeles.