Artistes

En 1962, recherches sur la polarisation chromatique de la lumière qui donnent forme aux premières boîtes lumineuses Polascopes.

Joël Stein passe au mouvement réel et interactif de l’objet, qui intègre les recherches préalables; il crée des Tourne-disques, Trièdres, Kaléidoscopes, et pour le premier Labyrinthe de 1963, des lampes manipulables. L’aspect ludique est accentué par la suite, par des créations telles que les Bouliers, Spirales, ou des boîtes manipulables. Le miroir permet des compositions éphémères faites de mouvement réel et de structures instables. Les trièdres, où des boules en réflexion sont mises en mouvement par le spectateur, les prismes en pyramide tronquée, qui recréent une sphère virtuelle, datent des années G.R.A.V. Plus récemment, ces installations de type cadran solaire reconstituent ombre et lumière en mouvement ou déstabilisent le cheminement d’un rayon lumineux

Inspiré par les nouvelles technologies, Joël Stein introduit en 1968 le laser et continue les recherches sur la couleur.

In 1962, research into the chromatic polarization of light which gave shape to the first Polascope light boxes.

Joël Stein moves on to the real and interactive movement of the object, which integrates prior research; he created record players, trihedrons, kaleidoscopes, and for the first Labyrinth in 1963, manipulatable lamps. The playful aspect is accentuated later, by creations such as Abacus, Spirals, or manipulatable boxes. The mirror allows ephemeral compositions made of real movement and unstable structures. The trihedrons, where reflecting balls are set in motion by the spectator, the truncated pyramid prisms, which recreate a virtual sphere, date from the G.R.A.V. years.

More recently, these sundial-type installations recreate moving light and shadow or destabilize the path of a light ray. Inspired by new technologies, Joël Stein introduced the laser in 1968 and continued research into color.

Né en 1976
Vit et Travaille en France

Formation

2006 Master 2 d’arts plastiques, Université de Paris I Panthéon Sorbonne, France.

2002 Arts plastiques option gravure, Ecole des Beaux-Arts de Versailles, France.

1999 Maîtrise des Beaux-Arts (4 ans), Université de Hyup-Sung, Corée du Sud.

Expositions personnelles

2018 « Hyper-Lumière », Galerie Artskoco, Luxembourg.

2017 « Fil d’infini:que la lumière soit! », Maison de la Culture et Loisirs de Metz(Galerie Raymond Banas), Metz, France. « Uue aveuglante lumière », Musée Bernard Boesch, Le Pouligen, France.

2016 « De dans et Dedors », La Mairie Saint Mandé, France.

2015 « On est jamais tout seul au monde », Galerie Lélia Mordoch, Paris, France.

2000 « Je sais que je ne sais pas », Galerie Gerimsi, Corée du Sud.

Expositions collectives

2019 «Artparis 2019» Galerie Lélia Mordoch sand E21, Art collector invest A14, Grans Palais, Paris. «Togeter’Her Artistes à la Une & VOGUE», Musée de Monnaie de Paris, Paris.

2018 «35e Semaine d’art Contemporain», Centre Culturel Saint Mandé. France «72ème Salon des Réalités Nouvelles», Parc Floral de la ville de Paris. « Gan », Bastille Design Center », Paris, France «Luxembourg Art week 2018», Galerie Artskoco, Luxembourg. «Errance», L Concept Gallery, Paris «Flamboyant», L Concept Gallery, Paris. «La Maison du Citoyen de Fontenay-sous-Bois fête ses 20 ans», Fontenay sous bois. «Foire internationale d’art contemporain Luxembourg Art Fair», Parc des Expositions, Luxembourg. «Journées Européennes du Patrimoine» « l’art du partage» La Fonderie, Fontenay sous bois. «KOREAN Contemporary Art», K-Shop et Galerie Artskoco, Brussels. «Journée Européennes des Métiers d’art», La Fonderie, Fontenay sous bois.

2017« Comme l’oiseau…»organisé par l’Association A vol d’oiseau du cercle, Paris. «71ème Salon Réalités Nouvelles», Parc Floral de la ville de Paris. « Elles sont là! », organisé par l’Association A vol d’oiseau du cercle, Paris.

2016 «ART PARIS 2016», Grand Palais,Stand Galerie Lélia Mordoch, Paris, France. «Raconte-moi ton corps», Organisé par l’Association A vol d’oiseau du cercle, Paris, France. «ART CITÉ : FRACTIONS», Halle Roublot, Fontenay-sous-Bois, France.
«Cadavre Absolument Exquis», Studio A, Courbevoie, France.

2015 «Plus près de la Corée», Marie de Saint – Mandé, Saint Mandé, France. «Et que la rencontre vive… Collection PH.D», Organisé par l’Association A vol d’oiseau du cercle, Musée Bernard Boesch, la Baul, France. «Beautiful Bridge II – Fondation Jung-HunI», Musée d’art Contemporain Hangaram, Séoul, Corée du Sud.

François Morellet, né le 30 avril 1926 à Cholet (Maine-et-Loire) et mort le 11 mai 2016 dans cette même ville, est un peintre, graveur et sculpteur français. Il est considéré comme l’un des acteurs majeurs de l’abstraction géométrique de la seconde moitié du xxe siècle et un précurseur du minimalisme. Il est également industriel de 1948 à 1975.

François Morellet, born April 30, 1926 in Cholet (Maine-et-Loire) and died May 11, 2016 in the same city, is a French painter, engraver and sculptor. He is considered one of the major players in geometric abstraction in the second half of the 20th century and a precursor of minimalism. He was also an industrialist from 1948 to 1975.

Lignes, volumes, couleurs, cinétisme, fluorescences, c’est ce qui m’attire dans les tableaux de Serty31. Les robots se prêtent à une géométrie anthropomorphique, les personnages n’apparaissent qu’avec la distance et changent selon l’angle de vue. Les lignes de fuite soulignent la vitesse et la force de ces êtres tout-puissants, divinités tutélaires du Japon d’après-guerre.
Serty31 a grandi à Paris dans le XIIIe arrondissement au milieu du quartier « chinois ». Influencé par les cultures asiatiques, il est fasciné par les mangas et les Transformers, Ulysse 31 et Les Chevaliers du Zodiaque. A 10 ans il rencontre le street art sur les palissades du Louvre et commence à voyager dans son quartier en photographiant les murs.
Dès l’adolescence il s’adonne aux graffitis pour s’exprimer. Un jour, il intègre un Transformer au coin d’une rue pour apaiser la violence de la ville.Comme ses fresques de rue, les portraits futuristes de Serty31 vibrent d’une énergie positive qui donne à la vie les couleurs de l’espoir.

LÉLIA MORDOCH

The new series of sculptures by Daniel Fiorda continues in many ways the themes that have infused his previous work. For the last several years, Fiorda has dealt with technology, obsolescence, with the trail of discarded tech that humanity leaves behind and what it says about us. The new work takes this thematic one step further. Here, concrete is both material and symbol. Each sculptural element is almost entirely made of reinforced concrete, cast in the shape of a miniature Brutalist building. These towers feature barely concealed found objects, almost fully engulfed by concrete, and yet still eerily discernible: industrial gears, old cameras and lenses, objects that evoke industrial and pre-digital eras. The overall sense is dystopian rather than apocalyptic. In Fiorda’s previous work, found objects were displayed as if unearthed from a bed of clay by a tacit anthropologist, perhaps decades into the future. A cell phone would be partially buried by dry soil and weathered by the passing of time. The underlying narrative was that of a future civilization unearthing the objects left by ours. Destruction or extinction were implied. In the new work, the obsolete technology is not found but rather engulfed by a new technology. Concrete, as a material and as a technology, has the capabilities to fully encase and envelope. In Fiorda’s new work, the concrete structures—towers, pseud-pyramids—exude authority and uniformity, and the appropriation of old technology into new structures suggests a historical and technological challenge right around the corner, mirroring the ones in our recent past: the digital age fully replacing the analog world, financial capitalism swallowing economies whole, etc. These are astounding sculptures, asymmetrical, with hidden planes and embedded objects. Concrete is worked into a wide variety of appearances; transfer of color and texture from other objects is apparent. These are pieces to examine closely, to walk around, and make connections between theme, material, and shape.

Sebastian Leder -Kremer

Duo formé par Paula Rivas (1976), artiste plasticienne formée à la sculpture en Argentine et en Italie, et Christian Wloch (1971), artiste plasticien formé aux arts visuels, cinéma, vidéo, multimédia et nouvelles technologies en Argentine. Les deux artistes travaillent ensemble depuis 2005 et ont parcouru un chemin d’expérimentation intégrant différentes techniques pour la création de chacune de ses œuvres, explorant de nouvelles géométries spatio-temporelles qui se matérialisent en œuvres d’art cinématographiques, lumineuses et artistiques. Expérimental inspiré par le visible et le visible. Cosmos invisible.

L’astronomie est l’une des grandes sources d’inspiration de Rivas & Wloch, à laquelle ils consacrent de nombreuses heures d’étude. L’idée de transcender la conception traditionnelle du temps et de l’espace est l’un des axes de recherche de ses œuvres à travers l’étude et la génération de nouvelles géométries dynamiques. Ses œuvres ont été exposées dans des centres culturels, des musées et des galeries en Amérique et en Europe, elles ont reçu différentes récompenses tout au long de sa carrière. l’histoire et font partie de grandes collections publiques et privées.

Duo formed by Paula Rivas (1976), visual artist trained in sculpture in Argentina and Italy, and Christian Wloch (1971), visual artist trained in visual arts, cinema, video, multimedia and new technologies in Argentina. The two artists have been working together since 2005 and have traveled a path of experimentation integrating different techniques for the creation of each of his works, exploring new spatio-temporal geometries that materialize into cinematic, luminous and artistic works of art. Experimental inspired by the visible and the visible. Unseen cosmos.

Astronomy is one of the great sources of inspiration for Rivas & Wloch, to which they devote many hours of study. The idea of ​​transcending the traditional conception of time and space is one of the research axes of his works through the study and generation of new dynamic geometries. His works have been exhibited in cultural centers, museums and galleries in America and Europe, they have received different awards throughout his career. history and are part of major public and private collections.

Il étudie à l’École Nationale des Beaux-Arts de Buenos Aires de 1950 à 1957 et y rencontre Demarco, Julio Le Parc et Francisco Sobrino. À partir de 1959, il réside et travaille à Paris. En 1960, il est l’un des cofondateurs du Centre de Recherches d’Art Visuel, puis du GRAV avec, Julio Le Parc, François Morellet, Francisco Sobrino, Joël Stein, Yvaral. Intéressé par l’analyse des phénomènes visuels, Garcia-Rossi introduit à partir de 1962 le mouvement réel et la lumière dans ses recherches et mène ses premières expériences de formes géométriques sur des écrans. Il développe en même temps des œuvres pouvant être manipulées par le spectateur (cylindres en rotation). Il entame une recherche continuelle sur le problème de l’instabilité avec la lumière et le mouvement, telles que les Boîtes à lumière instable avec couleurs et motifs à manipuler, et des structures lumière à couleurs changeantes.

À partir de 1966, il conduit ses premières expériences avec l’identification visuelle de l’écriture (Mouvement), qui le mènent vers un Abécédaire en mouvement (Portrait ambigu des membres du GRAV), puis à partir de 1969, à une recherche systématique d’un alphabet ambigu en essayant de donner à chaque lettre le mouvement que sa forme et sa signification ont en tant que lettre.

Born in 1929 in Buenos Aires, died in Paris in 2012. He attended the National School of Fine Arts in Buenos Aires from 1950, where he met Demarco, Le Parc and Sobrino and taught painting and drawing until 1958. In 1959 he moved to Paris where he made contact with the future member of G.R.A.V and took part in the MOTUS exhibition in Milan. In 1960 he was a co-founder of the Centre de Recherche d’Art Visuel, then of GRAV (Visual Art Research Group). Interested in the analysis of visual phenomena, he began including real movement and light in his work in 1962, producing his first “Light Boxes”.

In 1963 he began developing interactive objects such as his “rotating cylinders”. In 1966 he began experimenting with the visual identification of writing (movement). This led to his “moving alphabet” and, in 1969, to an ambiguous alphabet system. He returned to two-dimensional visual questions from 1972 to 1974. He continued to carry out analytical research on linguistic questions and the use of colour.