Artistes

Outre le métal et le plexiglas coloré, Sascha Nordmeyer utilise principalement, pour ses œuvres
résolument musicales, du papier sobre, généralement blanc, qu’il décloisonne en tant que
médium. Tout est conçu pour des contrastes subtils, au service d’événements portés par la
lumière. À l’aide de données de coupe générées par le numérique, il réalise des estampages
composés de manière réfléchie, qui s’orientent certes vers des formes géométriques strictes et
des structures sérielles, mais qui ouvrent une sorte de cinétique poétique qui transporte dans
des espaces pour ainsi dire flottants, jamais saisissables. Les lignes de découpe suivent des
formes circulaires et des ovales allongés qui rappellent les hélices et qui sont percés à la main.
Il reste toujours un petit support qui permet de briser les formes perforées et de les plier de
multiples façons. Des rythmes, des mouvements, des vibrations et des tensions en constante
évolution sont déclenchés. La géométrie se transforme en vitalité organique : intemporelle,
spirituelle et essentielle.

Sabine Arlitt (historienne de l’art)

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Irina Closson, jeune dessinatrice née en 2002 en Russie, vit en France et s’inscrit dans le courant de l’art brut. Talent prometteur, elle s’affirme comme une artiste en devenir, avec un style singulier et expressif.

Fille de marinier, Pétra Werlé naît en 1956 à Strasbourg et passe ses premières années entre Bâle et Rotterdam sur le bateau familial. A l’âge de vingt ans, elle commence à sculpter ses premiers personnages en mie de pain et se consacre depuis à cet art singulier. En 1997, elle décide de s’installer en région parisienne.

Si l’ensemble de son oeuvre a pour principal matériau le pain, elle s’offre malgré tout une parenthèse avec « Histoire(s) naturelle(s) » et « De la nature des choses » constituées d’éléments tels que papillons, scarabées, plumes d’oiseaux, coquillages, fleurs et mousses séchées…
Parenthèse fermée, depuis 2010 elle continue inlassablement et passionnément à travailler uniquement le pain pour donner à voir de nouveaux mondes.

Un monde d’amour en mie de pain
2018
29 cm x 25 cm
96 pages

Prix: 30€

De 1946 à 1950, François Monchâtre suit des études à l’École des métiers d’art de Paris et se spécialise grâce à une formation en vitrail et peinture sur verre donnée par l’atelier de Max Ingrand. En 1952, il quitte Paris pour s’installer à La Rochelle où il commence à peindre.

De son enfance et de ses diverses expériences professionnelles (liftier, garçon d’ascenseur, marionnettiste au cabaret de la Rose rouge, étalagiste aux Dames de France…), il tire sa passion pour la nature et son regard ironique sur le monde.

De 1963 à 1975, Monchâtre expose chez Iris Clert où il côtoie Tinguely, Arman, Klein, César et Gaston Chaissac. Il réalise ses premières Automaboules en métal peint et ses OPNI (Objets peints non identifiés).

À partir de 1970, il élabore une série de machines à rêver, en utilisant du bois, du plomb et des miroirs, singuliers dispositifs aux rouages poétiques et totalement inutiles, reflet des mécanismes qu’il admire depuis son enfance où il s’ingéniait à bricoler.

Joël Stein s’inscrit en 1946 à l’École des Beaux-Arts de Paris et fréquente l’Atelier Fernand Léger. Dès 1956 premiers tableaux géométriques programmés sur des bases mathématiques.
Il développe à partir de 1958 l’idée du labyrinthe, encore bidimensionnel. En 1959, premiers reliefs manipulables.
Cofondateur du Centre de Recherche d’Art Visuel, puis du G.R.A.V. avec Horacio Garcia Rossi, François Morellet, Francisco Sobrino, Yvaral. Il travaille alors avec des effets moirés et l’activation visuelle du spectateur.

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Une aveuglante lumière

Éthéré et viscéral. Dense et évanescent. L’art de Sun Mi Kim fait plus qu’osciller entre ces deux pôles, il les réunit, les fusionne, nous invitant à une expérience empreinte de subtilité mais aussi d’énergie.

Avant de trouver son langage artistique d’aujourd’hui, Sun Mi Kim a expérimenté la performance, la photographie, l’art de l’installation afin d’aborder les thèmes qui la concernent au plus profond d’elle-même : les relations entre les êtres, l’espace et la séparation,coexistance…, ainsi que les dimensions cachées de la réalité.

Parler simplement de peinture au sujet de ses « tableaux » s’avère réducteur, car il fonctionne aussi comme des sculptures ou des installations, en ce sens que l’artiste les relie physiquement à l’espace où ils sont installés. En 1997, Sun Mi commence à travailler sur des panneaux qu’elle recouvre de nombreuses couches de peinture, certaines très colorées, avant d’enduire le tout d’une teinte blanchâtre. C’est un long et lent processus qui finit par être entièrement occultée mais confère à l’œuvre une densité et une présence certaine. Elle compare cela à la couche supérieure de l’épiderme qui enveloppe les tissus biologiques du corps humain ou encore à la terre ou au sable qui recouvrent d’innombrables couches sédimentaires.

Dans cette matière-lumière, Sun Mi incruste des fils blancs qu’elle dispose de manière à révéler ou indiquer une certaine topographie de l’espace, donnant à la surface monochrome une profondeur, une dimension supplémentaire. Lorsque ce travail est terminé, elle perce la toile à un endroit soigneusement choisi pour y nouer un fil de couleur rouge vif formant une boucle que l’on peut étirer de diverses manières. Ce fil tendu par des clous et dont le chromatisme tranche avec le reste de l’œuvre sert à créer des formes géométriques aléatoires qui sortent du cadre du tableau pour se déployer sur le mur.

Cette description du travail pourrait laisser penser qu’il s’agit là d’une pure approche formelle abstraite et géométrique, mais il n’en est rien. Il y a chez Sun Mi une volonté de tisser des liens, d’accueillir le spectateur en donnant à l’art une dimension participative mais aussi parfois ludique.
C’est cet invisible qu’elle donne à voir, c’est ce que l’on pressent à travers la lumière dense de ses œuvres.

David Rosenberg

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I prefer π

S’il y a une dimension plastique des mathématiques, c’est la géométrie. François Morellet est un explorateur, son œuvre est le miroir de l’infini dans sa déclinaison spatiale. Tracez une droite verticale, une droite horizontale, mettez une flèche au bout de chaque droite, rajoutez plus et moins l’infini de droite et de gauche… et c’est là que les ennuis commencent pour tous ceux, qui comme moi, sont paresseux, qui aimeraient bien se promener dans l’infini, ce huit penché, serpent qui se mord la queue et symbolise l’univers dans la plupart des mythologies, mais reculent devant cet Himalaya de calculs et d’équations et ne retiennent des mathématiques que la poétique. Heureusement pour nous, il y a François Morellet qui lui a le courage de la règle et du rapporteur.

Quand on montre une œuvre de François Morellet, elle occupe l’espace tout entier, immédiatement : accrochez une œuvre de François Morellet chez vous et l’infini vous appartient. Comme pour répondre à ceux qui prétendaient que ses néons sont durs et froids, il donne aujourd’hui des «lunatic néons» et «weeping neons». Le néon, pleureur et changeant, inscrit la lumière dans l’œuvre de François Morellet qui pénètre ainsi dans la quatrième dimension. Il joue et se joue systématiquement de la géométrie, et refuse l’image romantique de l’artiste pour se plier aux lois de la physique. I prefer π est la déclinaison systématique du cercle dans tous ses états, en anglais à cause des allitérations et du merveilleux palindrome. Mettre π en néon, néant, décomposer le cercle n’est-ce pas le nier, nier la perfection de cette forme parfaite pour mieux la sublimer ?

Confier une exploration systématique à un nombre irrationnel dont les décimales s’étendent à l’infini, même s’il est remarquable, c’est obéir à ses lois jusqu’aux hasards de la trigonométrie, rationaliser jusqu’à l’irrationnel. Il ne faut pas l’oublier, iconoclaste et démystificateur, François Morellet écrit bien pour dire des choses intelligentes. Entre Roland Barthes et Jacques Lacan il se joue des mots aussi bien que de la géométrie donnant aux paresseux, et aux autres, une vision immédiate de l’infini mathématique.

Lélia Mordoch

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Alain Le Boucher est né en 1950 à Paimpol, il vit et travaille en Normandie.

J’ai toujours aimé détourner les objets de leur usage courant. A l’Institut d’art d’Aix-en-Provence j’admirais le vieux Marcel Duchamp qui voulait, dès 1910, se dégager de la «tyrannie de la peinture». Ailleurs Marce affirmait que «le plaisir n’a pas sa place dans l’art». Ses nombreux imitateurs actuels rejettent aussi le savoir-faire et proclament plus ou moins la mort de l’art.

Film par Thomas Granovsky

Pas de plaisir, pas de technique, et en plus l’art est mort. Pourquoi être artiste ?

Le hasard est un grand maître. En 1980, il m’orienta vers une société de microinformatique puis vers une société de développement de logiciels. Là j’ai découvert des domaines de création inexplorés. Le petit nombre d’artistes qui passaient les portes des entreprises informatiques dans les années 80 n’étaient intéressés que par l’utilisation graphique des machines. L’informatique en soi leur paraissait aussi peu excitante que sa couleur beige. Pouvait-on utiliser autrement cette nouvelle technique ?

Film par Thomas Granovsky

Alain Le Boucher est un sculpteur français dit « de lumière », né en 1950 à Paimpol. Il est diplômé de l’Institut d’Art d’Aix en Provence en 1976. Il vit et travaille aujourd’hui en Normandie. En 1982, il réalise ses premières sculptures de lumière, nommées les « Luchrones ». Pour son plus grand plaisir, il se rend compte en effet qu’il lui est possible de sculpter la lumière, de lui donner des formes et de la travailler comme il travaillerait d’autres matériaux. La seule frustration de l’artiste est de ne pas pouvoir la toucher. Les sculptures d’Alain Le Boucher sont légères et transparentes, poétiques et fascinantes. La lumière agit sur la sculpture au fil du temps, la transformant minute après minute. Alain Le Boucher expose régulièrement en France.

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